About李芝瑜
Rhode Island School of Design建築／藝術雙學士、美國賓夕法尼亞大學（UPenn）建築碩士、交通大學建築博士，曾擔任銘傳建築系系主任，目前為銘傳大學設計學院副院長暨建築系副教授、VR整合研究中心負責人、銘傳藝術中心館長、以及全球建築學人交流協會理事長。研究領域橫跨建築、數位理論與設計，並將偏鄉實構築服務進行虛實整合。除受邀擔任美國建築大師獎國際評審（Architecture MasterPrize, AMP），亦任全球建築活動Open House Taipei 活動發起人暨總顧問，積極推動城市美學運動。
一月至二月，總像是一個被重新歸位的時間節點。年初的空氣彷彿被整理過，特別清澈，也提醒人放慢腳步，重新校準觀看世界的方式。
宜蘭的冬山舊河港燈節，從冬山車站前廣場一路延伸至舊河道步道，夜色中串起河港與小鎮的生活風景；台中的中央公園，則已可見會發亮的嚕嚕米（Moomin）巨型燈光玩偶，正為中台灣燈節暖身登場。各城市的大型燈節活動陸續進入倒數準備階段，而在這些主舞台之外，其實還有幾個尺度較小、氣氛各異的展出空間，也很適合納入行程，一併探索。
走進這兩個月份，時間不只是往前推進，而是因為假期與年初的節點，讓我們多了一點空檔，能夠停下來調整節奏，想想這一整年要怎麼規劃。
〈Tainan〉2026龍崎光節：空山祭《山林呼喚》
台南空山祭一直以來都不是那種「一眼看完」的燈會，而比較像是一場要慢慢走、慢慢感受的夜間行動。夜色降臨後，山林、湖畔與步道被光線輕輕標記出來，沒有過度炫目的效果，而是要在行走中，感受及周圍環境的光源以及來自樹林間的氣味。這次也因為前往台南評審，結束時已近6點，突然想到每次都擦身而過的空山祭剛好就是這段時間，因此在思考只是距離高鐵不到20分鐘的距離，突發奇想的來一個說走就走的小探險，雖然因為空山祭引導我走進平時不會在夜晚停留的山中，但這樣的自然場域與夜間裝置藝術的結合，讓山林成為暫時被打開的公共空間。作品多半順著坡度、樹叢、吊橋出現，尺度不大，卻很容易讓人停下腳步。那種感覺不像是在「看展」，更像是被邀請進入一段夜間的散步，重新感受人、自然與時間之間的距離。
也正因為如此，空山祭最精采的地方，往往不在單一作品，而是在你走在作品之間的過程‐‐‐是一種需要被重新學習的空間狀態。《旺旺花花》這件由町田隼人所創作的作品， 乍看之下帶著童趣與可愛的氣息，但走近之後，會發現它其實相當細膩，也很「懂得和環境相處」，作品以重複出現的花朵與角色形象構成，形成一種既輕鬆又有節奏感的存在，讓藝術回到一種可以被輕鬆接受的狀態。
其中一件我特別喜歡的作品，隱身在森林步道旁的樹林之中。它將不同頻率的光轉化為山林裡的引導照明，純淨而溫暖的光環，如同生長在樹梢之上的聲音軌跡，沿著步道一層一層地展開，回應著「山林呼喚」所指向的人與自然之間的感知關係。
在這裡，光不再只是照明工具，而是一種可以被觀看、被感受的存在。它像聲波一樣，在空氣與樹影之間緩緩擴散，隨著行走的節奏出現與消失，讓人重新察覺環境本身所擁有的節律。我前往的時間雖然人潮不多，步道顯得安靜，但手上拿著現場提供的手工小燈籠，一邊走一邊被光引導，那段路讓人感受到充滿靈氣的夜間巡行，有種穿越到宮崎駿《風之谷》或《阿凡達》中的場景一般。但又再沉靜一些，因為行走的過程能感受到，我不是為了抵達某個終點，而是單純地走在山林裡的感受。
即日起～2026年3月1日
週四~周日17:30-22:00、最後入場21:00 ( 除夕休展）
台南市龍崎區形山公園
〈Taoyuan〉2025 永續光環境創意展
去年年底開幕的《永續光環境創意展》，在桃園中原文創園區的夜色中慢慢亮起。光在這裡不只是用來照路，而是開始回應城市、環境，還有人的日常感受。 夜幕降臨時，一件件作品的燈光散落在人行步道與代表古蹟的舊時軍備倉庫外牆之間，讓光不只是照亮空間，而是等著路人停下腳步，看見夜晚裡另一種可能。
這些以光影與形體交織的作品，運用再生材料建構出宛如漂浮森林的光環境。光在此不只是視覺效果，而是回應城市、環境與人的日常感受。特別讓人印象深刻的，是展場中唯一一件來自高中生的作品——以西洋擊劍使用後的廢棄金屬劍身，組裝成拱型結構，帶著一種既銳利又溫柔的張力。展覽中還能看到以回收寶特瓶與日常廢棄物轉化而成的光影結構、以菌絲體製作的休憩空間，以及以漂流木構成的光之裝置。當溫暖的光源穿透這些由學生親手搭建的結構，夜晚的空間彷彿被轉化為一片微光森林，也在不經意間，提醒我們重新思考能源、材料與環境之間的關係。
現場還有一件作品，是銘傳大學建築系和加拿大多倫多都會大學（Toronto Metropolitan University)共同設計的，採用長榮除役航空盤櫃等再生材料，透過光線與鋁材本身的質地，鋪陳出一條介於實驗場域與沉浸式裝置之間的夜間路徑。燈光在鋁材的紋理與結構縫隙間流動，讓人一邊行走，一邊不自覺地想到移動、連結，以及材料被再次使用後所累積的時間感。轉換後的鋁管像是都市建築般豎立在兩側，中間則模擬飛機夜間跑道的燈光節奏，尺度被縮小，卻讓人彷彿走進一座微型城市。那一刻，作品不只是被觀看，而是成為一段可以走進去、被想像包圍的城市片段，也呈現作品如何在城市光環境中重新定義循環材料與時間的意義。
即日起～2026年9月 (周一休園）
中原文創園區10倉、戶外展區（桃園市中壢區忠仁路33號）
〈Taipei〉台北雙年展：城市如何透過設計被重新定義
也正因如此，在一月與二月這個重新校準感知的時刻，走進展覽空間，成為一種重新觀看城市的起點。
如果還有人尚未走進北美館的雙年展，真的不要錯過。趁著這個時節天氣忽冷忽熱，不論平日或假日，都很適合帶著家人與朋友，到北美館的雙年展現場走走。就我個人而言，已經前後來過不下五次，每一次觀看，總能帶走不同的理解與提問。
其實，雙年展的出現，與台北這座城市如何重新理解「藝術與設計」有著密切關係。自 1992 年啟動、後來正式更名為台北雙年展以來，它逐步成為台灣最重要的國際當代藝術展之一。這不只是一場藝術成果的展示，更像是一個持續被提出、反覆被思考的公共對談場域。
北美館作為城市中承載當代藝術與公共思考的重要節點，它不只是展覽的容器，而是一個讓藝術、設計與城市議題彼此交會、相互辯證的空間。
這幾年台北雙年展逐漸形成一種獨特的節奏：不急著給出答案，而是陪著城市，一起思考設計如何介入公共生活。 因此，如果2025年還沒有機會走進北美館，那麼2026年別忘了留下一個時段，給第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」。展覽自去年11月開幕以來，靜靜地在北美館中等待著願意放慢腳步的觀者。 這一屆的雙年展匯集來自全球37個城市、72位藝術家的約150件作品。一樓展區中，Afra Al Dhaheri 的作品《加重停頓》，以厚重的環狀繩索構成冥想式的空間配置，邀請觀者以「緩慢」作為對抗高速節奏的一種姿態。
Henrique Oliveira則以回收層板創作裝置作品《雜草》，一半在室內形成近似球莖的量體，另一半如藤蔓與根系般向室外蔓延，營造出一種無形卻明確存在的邊界。作品充滿生命力，同時帶著侵略性，將城市廢棄物轉化為可持續生長的結構，藉此探討建築與自然、混亂與秩序之間的張力。另一件令我印象深刻的作品需要走到二樓， Eva Jospin 的雕塑作品《此處》，以元代畫家黃公望的《富春山居圖》為靈感，打造出一座由紙板構成的森林，細密的層次與手工堆疊痕跡，讓古典山水轉化為現代語彙的轉譯。
雖然已經走訪北美館無數次，但每一次離開展館，心裡總還是會留下一種難以言喻的感動。那不是來自某一件作品，而是一種整體的觸動。 習慣性地走到對面的 ACME Cafe買一杯咖啡，沿著階梯上到咖啡廳的屋頂。在那個高度重新看回美術館，會更清楚地感受到：這棟建築本身，不僅是一件具有時代意義的城市裝置藝術，也形塑了台北的重要城市座標。
即日起～2026年3月29 日
週二至週日9:30～17:30、週六至17:00閉館 (周一休館）
臺北市立美術館（臺北市中山區中山北路三段181號）
有趣咖啡廳
新園春室 The POOL
位於國立成功大學校園路邊的這間咖啡廳，隸屬於春池玻璃「春池計畫」系列，是一個結合咖啡、甜點、選物、空間設計與永續理念的實驗場域，大量運用玻璃與溫潤材質，營造出一種透明、自在、讓人願意停留的氛圍。店內不定期推出特製餐點與限定甜點，我也不免俗地點了一個造型可愛的眼睛麵包，原本只是被外型吸引，卻意外地好吃，成了那天很愉快的小驚喜。其實，會走進這棟建築，是在前往成大建築系擔任評審的路上。原本只是經過，卻因為外觀帶著一點讓人聯想到 Ludwig Mies van der Rohe 的建築語彙而停下腳步。走進室內，喝了一杯咖啡、配著麵包，短暫地把行程放慢，也讓那趟原本只是路過的行程上，多了一段剛剛好的停留。另外，還有一棟有趣的老宅建築在衛民街上，修復完成後提供給大家的是甜點空間，雖然這次經過並沒有開門，但還是讓人留下念想，提供下一次前往台南時的口袋名單。
從白天的展覽，到夜晚的光影，再到坐下來喝一杯咖啡，這些看似零散的片段，其實共同構成了我們理解城市的方式。設計、藝術與光，不一定要被放在同一個場館裡，它們更常是在行走之間、在不經意的停留裡，慢慢發生作用。
有時候，一場展覽真正留下來的，不只是作品本身，而是它如何改變我們走路的速度、觀看的角度，甚至讓人願意在城市裡多停留一會兒。當夜色退去、燈光熄滅，那些被重新校準的感知，會繼續陪著我們走進日常——一月到二月是一年裡重要的開端，而這個月份要如何開啟，其實一直到農曆年前，都還來得及慢慢調整。
Text／李芝瑜
Photo／李芝瑜、臺北市立美術館、桃園市政府、台南市政府
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